भारतीय लोक और जनजातीय कलाएं Indian Folk and Tribal Art तंजौर कला Tanjore Art मधुबनी चित्रकारी Madhubani Painting वार्ली लोक चित्रकला Warli Folk Painting पत्ताचित्र चित्रकारी Pattachitra Painting राजस्थानी लघु चित्रकारी Rajasthani Miniature Painting कालमेजुथु Kalamezhuthu
- भारतीय लोक और जनजातीय कलाएं
हमेशा से ही भारत की कलाएं और हस्तशिल्प इसकी सांस्कृतिक और परम्परागत प्रभावशीलता को अभिव्यक्त करने का माध्यम बने रहे हैं। देश भर में फैले इसके 35 राज्यों और संघ राज्य क्षेत्रों की अपनी विशेष सांस्कृतिक और पारम्परिक पहचान है, जो वहां प्रचलित कला के भिन्न-भिन्न रूपों में दिखाई देती है। भारत के हर प्रदेश में कला की अपनी एक विशेष शैली और पद्धति है जिसे लोक कला के नाम से जाना जाता है। लोककला के अलावा भी परम्परागत कला का एक अन्य रूप है जो अलग-अलग जनजातियों और देहात के लोगों में प्रचलित है। इसे जनजातीय कला के रूप में वर्गीकृत किया गया है। भारत की लोक और जनजातीय कलाएं बहुत ही पारम्परिक और साधारण होने पर भी इतनी सजीव और प्रभावशाली हैं कि उनसे देश की समृद्ध विरासत का अनुमान स्वत: हो जाता है।
अपने परम्परागत सौंदर्य भाव और प्रामाणिकता के कारण भारतीय लोक कला की अंतरराष्ट्रीय बाज़ार में संभावना बहुत प्रबल है। भारत की ग्रामीण लोक चित्रकारी के डिज़ाइन बहुत ही सुन्दर हैं जिसमें धार्मिक और आध्यात्मिक चित्रों को उभारा गया है। भारत की सर्वाधिक प्रसिद्ध लोक चित्रकलाएं है बिहार की मधुबनी चित्रकारी, ओडिशा राज्य की पताचित्र चित्रकारी, आन्ध्र प्रदेश की निर्मल चित्रकारी और इसी तरह लोक के अन्य रूप हैं। तथापि, लोक कला केवल चित्रकारी तक ही सीमित नहीं है। इसके अन्य रूप भी हैं जैसे कि मिट्टी के बर्तन, गृह सज्जा, जेवर, कपड़ा डिज़ाइन आदि। वास्तव में भारत के कुछ प्रदेशों में बने मिट्टी के बर्तन तो अपने विशिष्ट और परम्परागत सौंदर्य के कारण विदेशी पर्यटकों के बीच बहुत ही लोकप्रिय हैं।
इसके अलावा, भारत के आंचलिक नृत्य जैसे कि पंजाब का भांगडा, गुजरात का डांडिया, असम को बिहु नृत्य आदि भी, जो कि उन प्रदेशों की सांस्कृतिक विरासत को अभिव्यक्त करने हैं, भारतीय लोक कला के क्षेत्र के प्रमुख दावेदार हैं। इन लोक नृत्यों के माध्यम से लोग हर मौके जैसे कि नई ऋतु का स्वागत, बच्चे का जन्म, शादी, त्योहार आदि पर अपना उल्लास व्यक्त करते हैं। भारत सरकार और संस्थाओं ने कला के उन रूपों को बढ़ावा देने का हर प्रयास किया है, जो भारत की सांस्कृतिक पहचान का एक महत्वपूर्ण हिस्सा हैं।
कला के उत्थान के लिए किए गए भारत सरकार और अन्य संगठनों के सतत प्रयासों की वजह से ही लोक कला की भांति जनजातीय कला में पर्याप्त रूप से प्रगति हुई है। जनजातीय कला सामान्यत: ग्रामीण इलाकों में देखी गई उस सृजनात्मक ऊर्जा को प्रतिबिम्बित करती है जो जनजातीय लोगों को शिल्पकारिता के लिए प्रेरित करती है। जनजातीय कला कई रूपों में मौजूद है जैसे कि भित्ति चित्र, कबीला नृत्य, कबीला संगीत आदि आदि।
Indian Folk and Tribal Art
India had always been known as the land that portrayed cultural and traditional vibrancy through its conventional arts and crafts. The 35 states and union territories sprawled across the country have their own distinct cultural and traditional identities, and are displayed through various forms of art prevalent there. Every region in India has its own style and pattern of art, which is known as folk art. Other than folk art, there is yet another form of traditional art practiced by several tribes or rural population, which is classified as tribal art. The folk and tribal arts of India are very ethnic and simple, and yet colorful and vibrant enough to speak volumes about the country’s rich heritage.
Folk art in India apparently has a great potential in the international market because of its traditional aesthetic sensibility and authenticity. The rural folk paintings of India bear distinctive colorful designs, which are treated with religious and mystical motifs. Some of the most famous folk paintings of India are the Madhubani paintings of Bihar, Patachitra paintings from the state of Odisha, the Nirmal paintings of Andhra Pradesh, and other such folk art forms. Folk art is however not restricted only to paintings, but also stretches to other art forms such as pottery, home decorations, ornaments, cloths-making, and so on. In fact, the potteries of some of the regions of India are quite popular among foreign tourists because of their ethnic and traditional beauty.
Moreover, the regional dances of India, such as the Bhangra dance of Punjab, the Dandiya of Gujarat, the Bihu dance of Assam, etc, which project the cultural heritage of those regions, are prominent contenders in the field of Indian folk art. These folk dances are performed by people to express their exhilaration on every possible event or occasion, such as the arrival of seasons, the birth of a child, weddings, festivals, etc. The government of India, as well as other societies and associations, have therefore made all efforts to promote such art forms, which have become an intrinsic part of India’s cultural identity.
Tribal art, like folk art, has also progressed considerably due to the constant developmental efforts of the Indian government and other organizations. Tribal art generally reflects the creative energy found in rural areas that acts as an undercurrent to the craftsmanship of the tribal people. Tribal art ranges through a wide range of art forms, such as wall paintings, tribal dances, tribal music, and so on.
भारत के कुछ प्रसिद्ध लोक एवं जनजातीय जनजाति कलाएं Some of the famous Folk and Tribal Art of India:
तंजौर कला
यह लोक कला कहानी किस्से सुनाने की विस्मृत कला से जुड़ी है। भारत के हर प्रदेश मे चित्रों का प्रयोग किसी बात की अभिव्यक्ति दृश्य चित्रण के माध्यम से करने के लिए किया जाता है जो कथन का ही एक प्रतिपक्षी रूप है। राजस्थान, गुजरात और बंगाल के ये कला रूप स्थान विशेष के वीरों और देवताओं की पौराणिक कथाएं सुनाती हैं और हमारे प्राचीन वैभव और भव्य सांस्कृतिक विरासत का बहुमूर्तिदर्शी चित्रण किया है। हर कृति अपने आप में एक पूर्ण वृतान्त है जो प्राचीन काल की एक झांकी प्रस्तुत करती है जिसे हमारे कलाकारों की प्रवीणता और निष्ठा ने जीवित रखा है।
एक राजसी विरासत वाले धार्मिक चित्र तंजावर चित्रकारी, जिसे अब तंजौर चित्रकारी के नाम से जाना जाता है, की सर्वोत्तम परिभाषा है। तंजौर की चित्रकारी महान पारम्परिक कला रूपों में से है जिसने भारत को विश्व प्रसिद्ध बनाया है। इनका विषय मूलत: पौराणिक है। ये धार्मिक चित्र दर्शाते हैं कि आध्यात्मिकता रचनात्मक कार्य का सार है। कला के कुछ रूप ही तंजौर की चित्रकारी की सुन्दरता और भव्यता से मेल खाते हैं।
चेन्नई से 300 कि.मी. दूर तंजावुर में शुरू हुई यह कला चोल साम्राज्य के राज्यकाल मे सांस्कृतिक विकास की ऊंचाई पर पहुंची। इसके बाद आने वाले शासकों के संरक्षण में यह कला आगे और समृद्ध हुई। शुरू में ये भव्य चित्र राजभवनों की शोभा बढ़ाते थे लेकिन बाद में ये घर-घर में सजने लगे।
कला और शिल्प दोनों का एक विलक्षण मिश्रित रूप तंजौर की इस चित्रकारी का विषय मुख्य रूप से हिन्दू देवता और देवियां हें। कृष्ण इनके प्रिय देव थे जिनके विभिन्न मुद्राओं में चित्र बनाए गए है जो उनके जीवन की विभिन्न अवस्थाओं को व्यक्त करते हैं। तंजौर चित्रकारी की मुख्य विशेषताएं उनकी बेहतरीन रंग सज्जा, रत्नों और कांच से गढ़े गए सुन्दर आभूषणों की सजावट और उल्लेखनीय स्वर्णपत्रक का काम हैं। स्वर्णपदक और बहुमूल्य और अर्द्ध-मूल्य पत्थरों के भरपूर प्रयोग ने चित्रों को भव्य रूप प्रदान किया है। इन्होंने तस्वीरों में इस कदर जान डाल दी हैं कि ये तस्वीरें एक विलक्षण रूप में सजीव प्रतीत होती हैं। मानिक, हीरे और अन्य मूल्यवान रत्न-मणियों से जडित और स्वर्ण-पदक से सजी तंजौर के ये चित्र एक असली खजाना थे। लेकिन, आजकल, असली रत्न-मणियों की जगह अर्द्ध-मूल्यवान रत्नों का प्रयोग किया जाता है पर स्वर्ण-पत्रक का प्रयोग नहीं बदला है। तंजौर शैली की चित्रकारी में प्रयुक्त स्वर्ण पत्रकों की चमक और आभा सदैव बनी रहेगी।
PC- webneel.com
Tanjore Art
Folk art is linked with the forgotten art of story telling. Paintings are used to depict the visual counterpoint in narration in every region of India. Art forms of Rajasthan, Gujarat and Bengal narrate the myths and legends of local heroes and deities and construct a kaleidoscopic image of our glorious past and rich cultural heritage. Each work is a complete narration in itself, giving us a glimpse of the past, which has been kept alive by talent and devotion of our artists.
‘Religious paintings with a royal heritage’ is the best definition for Thanjavur paintings, now better known as Tanjore paintings. Tanjore painting ranks among the greatest traditional art forms for which India is noted worldwide. Their themes are fundamentally mythological. These religious paintings demonstrate that spirituality is the essence of creative work. Few art forms match the beauty and grace of Tanjore paintings.
Originating in Tanjavur about 300 kms from Chennai, this form of art developed at the height of cultural evolvement achieved during the rule of mighty Chola empire. The art form evolved and flourished under the patronage of successive rulers. These magnificent paintings adorned the royal dwellings and later found their way into every household.
An extraordinary visual amalgamation of both art and craft, Tanjore paintings mainly consist of themes on Hindu gods and goddesses, with figures of Lord Krishna in various poses and depicting various stages of his life being the favourite. The characteristics of the Tanjore paintings are their brilliant colour schemes, decorative jewellery with stones and cut glasses and remarkable gold leaf work. The liberal use of gold leaf and precious and semi-precious stones presents a splendid visual treat. These give life to the pictures such that the pictures come alive in a unique way. Adorned with rubies, diamonds and other precious gemstones, and trimmed with gold foil, Tanjore paintings were true treasures. Nowadays, however, semi-precious stones are used in place of real ones, but the use of gold foil has not altered. The shine and glean on the gold leaves used by the Tanjore style paintings, lasts forever.
मधुबनी चित्रकारी
मधुबनी चित्रकारी, जिसे मिथिला की कला (क्योंकि यह बिहार के मिथिला प्रदेश में पनपी थी) भी कहा जाता है, की विशेषता चटकीले और विषम रंगों से भरे गए रेखा-चित्र अथवा आकृतियां हैं। इस तरह की चित्रकारी पारम्परिक रूप से इस प्रदेश की महिलाएं ही करती आ रही हैं लेकिन आज इसकी बढ़ती हुई मांग को पूरा करने के लिए पुरूष भी इस कला से जुड़ गए हैं। ये चित्र अपने आदिवासी रूप और चटकीले और मटियाले रंगों के प्रयोग के कारण लोकप्रिय हैं। इस चित्रकारी में शिल्पकारों द्वारा तैयार किए गए खनिज रंजकों का प्रयोग किया जाता है। यह कार्य ताजी पुताई की गई अथवा कच्ची मिट्टी पर किया जाता है। वाणिज्यिक प्रयोजनों के लिए चित्रकारी का यह कार्य अब कागज़, कपड़े, कैनवास आदि पर किया जा रहा है। काला रंग काजल और गोबर को मिश्रण से तैयार किया जाता हैं, पीला रंग हल्दी अथवा पराग अथवा नीबूं और बरगद की पत्तियों के दूध से; लाल रंग कुसुम के फूल के रस अथवा लाल चंदन की लकड़ी से; हर रंग कठबेल (वुडसैल) वृक्ष की पत्तियों से, सफेद रंग चावल के चूर्ण से; संतरी रंग पलाश के फूलों से तैयार किया जाता है। रंगों का प्रयोग सपाट रूप से किया जाता है जिन्हें न तो रंगत (शेड) दो जाती है और न ही कोई स्थान खाली छोड़ा जाता है।
प्रकृति और पौराणिक गाथाओं के वही चित्र उभारे जाते है जो इनकी शैली से मेल खाते हों। इन चित्रों में जिन प्रसंगों और डिजाइनों का भरपूर चित्रण किया गया है वे हिन्दू देवी-देवताओं से संबंधित हैं जैसे कि कृष्ण, राम, शिव, दुर्गा, लक्ष्मी, सरस्वती, सूर्य और चन्द्रमा, तुलसी के पौधे, राजदरबारों के दृश्य, सामाजिक समारोह आदि। इसमें खाली स्थानों को भरने के लिए फूल-पत्तियों, पशुओं और पक्षियों के चित्रों, ज्यामितीय डिजाइनों का प्रयोग किया जाता है। यह हस्तकौशल एक पीढ़ी को सौंपती आई है, इसलिए इनके पारम्परिक डिजाइनों और नमूना का पूरी तरह से सुरक्षित रखा जाता है।
कृषि के अलावा आमदनी का एक साधन बनाए रखने की दृष्टि से अखिल भारतीय हस्तशिल्प बोर्ड और भारत सरकार महिलाओं को हाथ से बने कागज़ पर अपनी पारम्परिक चित्रकारी करके उसे बाज़ार में बेचने के लिए प्रोत्साहित करते रहे है। मधुबनी चित्रकारी अनेक परिवारों की आमदनी का एक मुख्य साधन बन गया है। पूरे विश्व में इस कला के चलने बाजार मिथिला की महिलाओं की उपाय कुशलता के लिए एक प्रशस्ति है, जिन्होंने भित्तिचित्र की अपनी तकनीकियों का कागज़ पर चित्रकारी के लिए सफल प्रयोग किया है।
Madhubani Painting
Madhubani painting, also referred to as Mithila Art (as it flourishes in the Mithila region of Bihar), is characterized by line drawings filled in by bright colours and contrasts or patterns. This style of painting has been traditionally done by the women of the region, though today men are also involved to meet the demand. These paintings are popular because of their tribal motifs and use of bright earthy colours. These paintings are done with mineral pigments prepared by the artists. The work is done on freshly plastered or a mud wall.
For commercial purposes, the work is now being done on paper, cloth, canvas etc. Cotton wrapped around a bamboo stick forms the brush. Black colour is obtained by mixing soot with cow dung; yellow from turmeric or pollen or lime and the milk of banyan leaves; blue from indigo; red from the kusam flower juice or red sandalwood; green from the leaves of the wood apple tree; white from rice powder; orange from palasha flowers. The colours are applied flat with no shading and no empty space is left.
Figures from nature & mythology are adapted to suit their style. The themes & designs widely painted are of Hindu deities such as Krishna, Rama, Siva, Durga, Lakshmi, Saraswati, Sun and Moon, Tulasi plant, court scenes, wedding scenes, social happenings etc. Floral, animal and bird motifs, geometrical designs are used to fill up all the gaps. The skill is handed down the generations, and hence the traditional designs and patterns are widely maintained.
In order to create a source of non-agricultural income, the All India Handicrafts Board and the Government of India have been encouraging the women artists to produce their traditional paintings on handmade paper for commercial sale. Madhubani painting has become a primary source of income for scores of families. The continuing market in this art throughout the world is a tribute to the resourcefulness of the women of Mithila who have successfully transferred their techniques of bhitti chitra or wall painting to the medium of paper.
वार्ली लोक चित्रकला
महाराष्ट्र अपनी वार्ली लोक चित्रकला के लिए प्रसिद्ध है। वार्ली एक बहुत बड़ी जनजाति है जो पश्चिमी भारत के मुम्बई शहर के उत्तरी बाह्मंचल में बसी है। भारत के इतने बड़े महानगर के इतने निकट बसे होने के बावजूद वार्ली के आदिवासियों पर आधुनिक शहरीकरण कोई प्रभाव नहीं पड़ा है। 1970 के प्रारम्भ में पहली बार वार्ली कला के बारे में पता चला। हालांकि इसका कोई लिखित प्रमाण तो नहीं मिलता कि इस कला का प्रारम्भ कब हुआ लेकिन दसवीं सदी ई.पू. के आरम्भिक काल में इसके होने के संकेत मिलते हैं। वार्ली, महाराष्ट्र की वार्ली जनजाति की रोजमर्रा की जिंदगी और सामाजिक जीवन का सजीव चित्रण है। यह चित्रकारी वे मिट्टी से बने अपने कच्चे घरों की दीवारों को सजाने के लिए करते थे। लिपि का ज्ञान नहीं होने के कारण लोक वार्ताओं (लोक साहित्य) के आम लोगों तक पहुंचाने को यही एकमात्र साधन था। मधुबनी की चटकीली चित्रकारी के मुकाबले यह चित्रकला बहुत साधारण है।
चित्रकारी का काम मुख्य रूप से महिलाएं करती है। इन चित्रों में पौराणिक पात्रों, अथवा देवी-देवताओं के रूपों को नहीं दर्शाया जाता बल्कि सामाजिक जीवन के विषयों का चित्रण किया जाता है। रोजमर्रा की जिंदगी से जुड़ी घटनाओं के साथ-साथ मनुष्यों और पशुओं के चित्र भी बनाए जाते हैं जो बिना किसी योजना के, सीधी-सादी शैली में चित्रित किए जाते हैं। महाराष्ट्र की जनजातीय (आदिवासी) चित्रकारी का यह कार्य परम्परागत रूप से वार्ली के घरों में किया जाता है। मिट्टी की कच्ची दीवारों पर बने सफेद रंग के ये चित्र प्रागैतिहासिक गुफा चित्रों की तरह दिखते हैं और सामान्यत: इनमें शिकार, नृत्य फसल की बुवाई, फसल की कटाई करते हुए व्यक्ति की आकृतियां दर्शाई जाती हैं।
शैली की दृष्टि से देखें तो उनकी पहचान यही है कि ये साधारण सी मिट्टी के बेस पर मात्र सफेद रंग से की गई चित्रकारी है जिसमें यदा-कदा लाल और पीले बिन्दु बना दिए जाते हैं। यह सफेद रंग चावल को बारीक पीस कर बनाया गया सफेद चूर्ण होता है। रंग की इस सादगी की कमी इसके विषय की प्रबलता से ढक जाती है। इसके विषय बहुत ही आवृत्ति और प्रतीकात्मक होते हैं। वार्ली के पालघाट, शादी-विवाह के भगवान को दर्शाने वाले बहुत से चित्रों में प्राय: घोड़े को भी दिखाया जाता है जिस पर दूल्हा-दुल्हन सवार होते हैं। यह चित्र बहुत पवित्र माना जाता है और इसके बाद विवाह सम्पन्न नहीं हो सकता है। ये चित्र स्थानीय लोगों की सामाजिक और धार्मिक अभिलाषाओं को भी पूरा करते हैं। ऐसा माना जाता है कि ये चित्र भगवान की शक्तियों का आह्वान करते हैं।
वार्ली के चित्रों में सीधी लाइन शायद ही देखने को मिलती है। कई बिन्दुओं और छोटी-छोटी रेखाओं (डेश) को मिलाकर एक बड़ी रेखा बनाई जाती है। हाल ही में शिल्पकारों ने अपने चित्रों में सीधी रेखाएं खींचनी शुरू कर दी है। इन दिनों तो पुरुषों ने भी चित्रकारी शुरू कर दी है और वे यह चित्रकारी प्राय: कागज़ पर करते हैं जिनमें वार्ली की सुन्दर परम्परागत तस्वीरें और आधुनिक उपकरण जैसे कि साइकिल आदि बनाए जाते हैं। कागज़ पर की गई वार्ली चित्रकार काफी लोकप्रिय हो गई है और अब पूरे भारत में इसकी बिक्री होती है। आज, कागज़ और कपड़े पर छोटी-छोटी चित्रकारी की जाती है पर दीवार पर चित्र अथवा बड़े-बड़े भित्ति चित्र ही देखने में सबसे सुन्दर लगते हैं जो वार्लियों के एक विशाल और जादुई संसार की छवि को प्रस्तुत करते हैं। वार्ली आज भी परम्परा से जुड़े हैं लेकिन साथ ही वे नए विचारों को भी ग्रहण कर रहे हैं जो बाज़ार की नई चुनौतियों का सामना करने में उनकी मदद करते हैं।
PC- Dhanshree mahesh
Warli Folk Painting
Maharashtra is known for its Warli folk paintings. Warli is the name of the largest tribe found on the northern outskirts of Mumbai, in Western India. Despite being in such close proximity of the largest metropolis in India, Warli tribesmen shun all influences of modern urbanization. Warli Art was first discovered in the early seventies. While there are no records of the exact origins of this art, its roots may be traced to as early as the 10th century A.D. Warli is the vivid expression of daily and social events of the Warli tribe of Maharashtra, used by them to embellish the walls of village houses. This was the only means of transmitting folklore to a populace not acquainted with the written word. This art form is simple in comparison to the vibrant paintings of Madhubani.
Women are mainly engaged in the creation of these paintings. These paintings do not depict mythological characters or images of deities, but depict social life. Images of human beings and animals, along with scenes from daily life are created in a loose rhythmic pattern. These tribal paintings of Maharashtra are traditionally done in the homes of the Warlis. Painted white on mud walls, they are pretty close to pre-historic cave paintings in execution and usually depict scenes of human figures engaged in activities like hunting, dancing, sowing and harvesting.
Stylistically, they can be recognized by the fact that they are painted on an austere mud base using one color, white, with occasional dots in red and yellow. This colour is obtained from grounding rice into white powder. This sobriety is offset by the ebullience of their content. These themes are highly repetitive and symbolic. Many of the Warli paintings that represent Palghat, the marriage god, often include a horse used by the bride and groom. The painting is sacred and without it, the marriage cannot take place. These paintings also serve social and religious aspirations of the local people. It is believed that these paintings invoke powers of the Gods.
In Warli paintings it is rare to see a straight line. A series of dots and dashes make one line. The artists have recently started to draw straight lines in their paintings. These days, even men have taken to painting and they are often done on paper incorporating traditional decorative Warli motifs with modern elements such as the bicycle, etc. Warli paintings on paper have become very popular and are now sold all over India. Today, small paintings are done on cloth and paper but they look best on the walls or in the form of huge murals that bring out the vast and magical world of the Warlis. For the Warlis, tradition is still adhered to but at the same time new ideas have been allowed to seep in which helps them face new challenges from the market.
पत्ताचित्र चित्रकारी
चित्रकारी की पत्ताचित्र शैली ओडिशा की सबसे प्राचीन और सर्वाधिक लोकप्रिय कला का एक रूप है। पत्ताचित्र का नाम संस्कृत के पत्ता जिसका अर्थ है कैनवास और चित्रा जिसका अर्थ है तस्वीर शब्दों से मिलकर बना है। इस प्रकार पत्ताचित्र कैनवास पर की गई एक चित्रकारी है जिसे चटकीले रंगों का प्रयोग करते हुए सुन्दर तस्वीरों और डिजाइनों में तथा साधारण विषयों को व्यक्त करते हुए प्रदर्शित किया जात है जिनमें अधिकांशत: पौराणिक चित्रण होता है। इस कला के माध्यम से प्रदर्शित एक कुछ लोकप्रिय विषय है: थे या वाधिया-जगन्नाथ मंदिर का चित्रण; कृष्णलीला-जगन्नाथ का भगवान कृष्ण के रूप में छवि जिसमें बाल रूप में उनकी शक्तियों को प्रदर्शित किया गया है; दसावतारा पति-भगवान विष्णु के दस अवतार; पंचमुखी-पांच सिरों वाले देवता के रूप में श्री गणेश जी का चित्रण। सबसे बढ़कर विषय ही साफ तौर पर इस कला का सार है जो इस चित्रों अर्थ को परिकल्पित करते हैं। इसलिए इसमें कोई आश्चर्य की बात नहीं है कि इस तरह की चित्रकारी करने की प्रक्रिया में पूरी तरह से ध्यान केन्द्रित करने और कुशल शिल्पकारिता की जरूरत होती है जिसमें केवल पत्ता तैयार करने में ही पांच दिन लग जाते हैं।
यह कार्य सबसे पहल पत्ता बनाने से शुरू किया जाता है। शिल्पकार जिन्हें चित्रकार भी कहा जाता है, सबसे पहले इमलह का पेस्ट बनाते हैं जिसे बनाने के लिए इमली के बीजों को तीन दिन पानी में भिगो कर रखा जाता है। इसके बाद बीजों को पीस कर पानी में मिला दिया जाता है और पेस्ट बनाने के लिए इस मिश्रण को मिट्टी के बर्तन में डालकर गर्म किया जाता है। इसे निर्यास कल्प कहा जाता है। फिर इस पेस्ट से कपड़े के दो टुकड़ों को आपस में जोड़ा जाता है और उस पर कई बार कच्ची मिट्टी का लेप किया जाता है जब तक कि वह पक्का न हो जाए। जैसे ही कपड़ा सूख जाता है तो उस पर खुरदरी मिट्टी के अन्तिम रूप से पालिश की जाती है। इसके बाद उसे एक नरम पत्थर अथवा लकड़ी से दबा दिया जाता है, जब तक कि उसको सतह एक दम नरम और चमड़े की तरह न हो जाए। यही कैनवास होता है जिस पर चित्रकारी की जाती है।
पेंट तैयार करना संभवत: पत्ताचित्र बनाने का सबसे महत्वपूर्ण कार्य है जिसमें प्राकृतिक रूप में उपलब्ध कच्ची सामग्री को पेंट का सही रूप देने में चित्रकारों की शिल्पकारिता का प्रयोग होता है। केथा वृक्ष की गोंद इसकी मुख्य सामग्री है और भिन्न-भिन्न तरह के रंग द्रव्य तैयार करने के लिए एक बेस के रूप में इस्तेमाल किया जाता है जिसमें तरह-तरह की कच्ची सामग्री मिलाकर विविध रंग तैयार किए जाते है। उदाहरण के लिए शंख को उपयोग सफेद रंग बनाने और काजल को प्रयोग काला रंग बनाने के लिए किया जाता है। कीया के पौधे की जड़ का इस्तेमाल सामान्यत: एक साधारण ब्रुश बनाने और चूहे के बालों का प्रयोग जरूरत होने पर बढिया ब्रुश बनाने के लिए किया जाता है जिन्हें लकड़ी के हैंडल से जो दिया जाता है।
पत्ताचित्र पर चित्रकारी एक अनुशासित कला है। इसमें चित्रकार अपनी रंग सज्जा जिसमें एक ही संगत वाले रंगों का प्रयोग किया जाता है, और नमूनों के प्रयोग की शैली का पूरी सख्ती से पालन करता है। स्वयं को इस कला के कुछ नियमों के दायरे में समेटकर ये चित्रकार इतनी सूक्ष्म अभिव्यक्ति करने वाले इतने सुन्दर चित्र प्रस्तुत करते है कि आश्चर्य होता है यह जानकर कि इसमें रंगों के विविध शेडो (रंगत) का प्रयोग निषिद्ध है। वास्तव में चित्रों में उभारी गई आकृतियों के भावों का प्रदर्शन ही इस कला का सुन्दरतम रूप है जिसे चित्रकार पूरे यत्न से सुन्दर रंगो से सजाकर श्रेष्ठ रूप में प्रस्तुत करते हैं।
समय के साथ-साथ पत्ताचित्र की कला में उल्लेखनीय क्रांति आई है। चित्रकारों ने टस्सर सिल्क और ताड़पत्रों पर चित्रकारी की है और दीवारों पर लटकाए जाने वाले चित्र तथा शो पीस भी बनाए हैं। तथापि, इस प्रकार की नवीनतम से आकृतियों की परम्परागत रूप में अभिव्यक्ति और रंगो के पारम्परिक प्रयोग में कोई रूकावट नहीं आई है जो पीढ़ी दर पीढ़ी उसी रूप बरकरार है। पत्ताचित्र की कला की प्रतिष्ठा को बनाए रखने में इसके प्रति चित्रकारों की निष्ठा एक मुख्य कारण है और ओडिशा में इस कला को आगे बढ़ाने के लिए स्थापित किए कुछ विशेष केन्द्र इसकी लोकप्रियता को उजागर करते हैं।
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Pattachitra Painting
Pattachitra style of painting is one of the oldest and most popular art forms of Odisha. The name Pattachitra has evolved from the Sanskrit words patta, meaning canvas, and chitra, meaning picture. Pattachitra is thus a painting done on canvas, and is manifested by rich colourful application, creative motifs and designs, and portrayal of simple themes, mostly mythological in depiction.
Some of the popular themes represented through this art form are Thia Badhia – depiction of the temple of Jagannath; Krishna Lila – enactment of Jagannath as Lord Krishna displaying his powers as a child; Dasabatara Patti – the ten incarnations of Lord Vishnu; Panchamukhi – depiction of Lord Ganesh as a five-headed deity. More than anything, the themes are clearly the essence of the art form, conceptualising the meaning of the paintings. It is no surprise therefore that the process of preparing the paintings engages undeterred concentration and careful craftsmanship, stretching the preparation time of the patta alone to around five days.
Making the patta is the first thing that comes in the agenda, and the painters, also called chitrakars, go about their work in preparing a tamarind paste, which is made by soaking tamarind seeds in water for three days. The seeds are later pounded with a crusher, mixed with water, and heated in an earthen pot to turn it to a paste, which is called niryas kalpa. The paste is then used to hold two pieces of cloth together with it, and coated with a powder of soft clay stone a couple of times till it becomes firm. Soon as the cloth becomes dry, the final touch of polishing it with a rough stone and then a smooth stone or wood is given, until the surface becomes smooth and leathery, and is all ready as a canvas to be painted on.
Preparing the paints is perhaps the most important part of the creation of Pattachitra, engaging the craftsmanship of the chitrakars in using naturally available raw materials to bring about indigenous paints. The gum of the kaitha tree is the chief ingredient, and is used as a base for making different pigments, on which diverse raw materials are mixed for diverse colours. Powdered conch shells, for instance, are used for making a white pigment, while lamp soot is used for a black pigment. The root of the keya plant is usually used for making the common brush, while mouse hair is used on the requirement of finer brushes, to be attached to wooden handles.
The creation of the Pattachitra paintings is a disciplined art form, and the chitrakars maintain rigidity in their use of colours and patterns, restricting the colours to a single tone. Limiting themselves within the boundaries of some rules, the chitrakars come up with such remarkable paintings depicting stark emotional expressions that it is a surprise shading of colours is a taboo. In fact, it is this display of emotions of the figures expressed in the paintings, which is the crème de la crème of the art form, and the chitrakars put in their best to bring out the most through their rich colourful motifs.
With the passage of time, the art of Pattachitra has gone through a commendable transition, and the chitrakars have painted on tussar silk and palm leaves, and even created wall hangings and showpieces. However, this kind of innovativeness has never proved to be a hindrance in their customary depiction of figures and the use of colours, which has remained intact throughout generations. This constancy is the key factor that has maintained the effervescence of Pattachitra, backed with the fact that the setting up of some special centres for the art form in Odisha speaks volumes for its popularity.
राजस्थानी लघु चित्रकारी
भारत में लघु चित्रकारी की कला का प्रारम्भ मुगलों द्वारा किया गया जो इस भव्य अलौकिक कला को फ़राज (पार्शिया) से लेकर आए थे। छठी शताब्दी में मुगल शासक हुमायुं ने फराज से कलाकारों को बुलवाया जिन्हें लघु चित्रकारी में विशेषज्ञता प्राप्त थी। उनके उत्तराधिकारी मुगल बादशाह अकबर ने इस भव्य कला को बढ़ावा देने के प्रयोजन से उनके लिए एक शिल्पशाला बनवाई। इन कलाकारों ने अपनी ओर से भारतीय कलाकारों को इस कला का प्रशिक्षण दिया जिन्होंने मुगलों के राजसी और रोमांचक जीवन-शैली से प्रभावित होकर एक नई विशेष तरह की शैली में चित्र तैयार किए। भारतीय कलाकारों द्वारा अपनर इस खास शैली में तैयार किए गए विशेष लघु चित्रों को राजपूत अथवा राजस्थानी लघु चित्र कहा जाता है। इस काल में चित्रकला के कई स्कूल शुरू किए गए, जैसे कि मेवाड (उदयपुर), बंदी, कोटा, मारवाड़ (जोधपुर), बीकानेर, जयपुर और किशनगढ़।
यह चित्रकारी बड़ी सावधानी से की जाती है और हर पहलू को बड़ी बारीकी से चित्रित किया जाता है। मोटी-मोटी रेखाओं से बनाए गए चित्रों को बड़े सुनियोजित ढंग से गहरे रंगों से सजाया जाता है। ये लघु चित्रकार अपने चित्रकारों के लिए कागज़, आइवरी पेन लो, लकड़ी की तख्तियों (पट्टियों) चमड़े, संगमरमर, कपड़े और दीवारों का प्रयोग करते हैं। अपनी यूरोपीय प्रतिपक्षी कलाकारों के विपरीत भारतीय कलाकार अपनी चित्रकारों में अनेक परिदृश्यों को शामिल किया है। इसके प्रयोग किए जाने वाले रंग खनिज़ों एवं सब्जियों, कीमती पत्थरों तथा विशुद्ध चांदी एवं सोने से बनाए जाते हैं। रंगों को तैयार करना और उनका मिश्रण करना एक बड़ी लंबी प्रक्रिया है। इसमें कई सप्ताह लग जाते हैं और कई बार तो सही परिणाम प्राप्त करने के लिए महीने भी लग जाते हैं। इसके लिए बहुत बढिया किस्म के ब्रुशों की जरूरत पड़ती है और बहुत अच्छे परिणाम प्राप्त करने के लिए तो ब्रुश आज की तारीख में भी, गिलहरी के बालों से बनाए जाते हैं। परम्परागत रूप से ये चित्र कला का एक बहुत शानदार, व्यक्तिपरक और भव्य रूप हैं, जिनमें राजदरबार के दृश्य और राजाओं की शिकार की खोज के दृश्यों का चित्रण किया जाता है। इन चित्रों में फूलों और जानवरों की आकृतियों को भी बार-बार चित्रित किया जाता है।
राजस्थान का किशनगढ़ प्रान्त अपनी बनी ठनी चित्रकारी के लिए प्रसिद्ध है। यह बिल्कुल भिन्न शैली है जिसमें बहुत बड़ी-बड़ी आकृतियां को चित्रित किया जाता है जैसे कि गर्दन, बादाम के आकार की आंखें और लम्बी-लम्बी अंगुलियां। चित्रकारी की इस शैली में बने चित्रों में अपने प्रिय देवता के रूप में अनिवार्य रूप से राधा और कृष्ण और उनके संगीतमय प्रेम को दर्शाया जाता है। अठारहवीं शताब्दी में राजा सावंत सिंह के शासनकाल के दौरान इस कला ने ऊंचाइयों को छुआ, जिन्हें बनी ठनी नाम की एक दासी से प्रेम हो गया था और इन्होंने अपने कलाकारों को आदेश दिया कि वे कृष्ण और राधा के प्रतीक के रूप में उनका और उनकी प्रेमिका का चित्र बनाएं। बनी ठनी चित्रकारों के अन्य विषय हैं: प्रतिकृतियां, राजदरबार के दृश्य, नृत्य, शिकार, संगीत, सभाएं, नौका विहार (प्रेमी-प्रेमिकाओं का नौका विहार), कृष्ण लीला, भागवत पुराण और अन्य कई त्योहार जैसे कि होली, दीवाली, दुर्गा पूजा, और दशहरा।
आज भी बहुत से कलाकार रेशम, हाथीदंत, सूती कपड़े और कागज पर लघु चित्रकारी करते आ रहे हैं। लेकिन समय के साथ-साथ प्राकृतिक रंगों की जगह अब पोस्टर रंगों का प्रयोग होने लगा है। लघु चित्रकला स्कूलों का भी व्यापारीकरण हो गया है और कलाकार अधिकांशत: प्राचीन कलाकारों के बनाए चित्रों की पुनरावृत्ति ही कर रहे हैं।
Rajasthani Miniature Painting
The art of Miniature painting was introduced to the land of India by the Mughals, who brought the much-revealed art form from Persia. In the sixteenth century, the Mughal ruler Humayun brought artists from Persia, who specialized in miniature painting. The succeeding Mughal Emperor, Akbar built an atelier for them to promote the rich art form. These artists, on their part, trained Indian artists who produced paintings in a new distinctive style, inspired by the royal and romantic lives of the Mughals. The particular miniature produced by Indian artists in their own style is known as Rajput or Rajasthani miniature. During this time, several schools of painting evolved, such as Mewar (Udaipur), Bundi, Kotah, Marwar (Jodhpur), Bikaner, Jaipur, and Kishangarh.
These paintings are done with utmost care and in minute details, with strong lines and bold colours set in harmonious patterns. The miniature artists use paper, ivory panels, wooden tablets, leather, marble, cloth and walls for their paintings. Indian artists employed multiple perspectives unlike their European counterparts in their paintings. The colours are made from minerals and vegetables, precious stones, as well as pure silver and gold. The preparing and mixing of colour is an elaborate process. It takes weeks, sometimes months, to get the desired results. The brushes are required to be very fine, and to get high-quality results, brushes even to this very day are made from hair of squirrels. Traditionally, the paintings are aristocratic, individualistic and strong in portraiture, where the plush court scenes and hunting expedition of royalty are depicted. Flowers and animals are also the recurrent images in the paintings.
The Kishangarh province in Rajasthan is known for its Bani Thani paintings. It is a totally different style with highly exaggerated features like long necks, large, almond shaped eyes, and long fingers. This style of painting essentially depicts Radha and Krishna as divine lovers, and beautifully portrays their mystical love. Kishangarh miniature painting reached a peak in the eighteenth century, during the rule of Raja Sawant Singh, who fell in love with a slave girl, Bani Thani and commanded his artists to portray himself and her as Krishna and Radha. Other themes of Bani Thani paintings include portraits, court scenes, dancing, hunting, music parties, nauka vihar (lovers travelling in a boat), Krishna Lila, Bhagavata Purana and various other festivals like Holi, Diwali, Durga puja, and Dussehra.
Today, many artists continue to make miniature paintings on silk, ivory, cotton, and paper. However, with the passage of time, the natural colours have been replaced by poster colours. The schools of miniature have also been commercialized, and the artists mostly replicate the work produced by the old painters.
कालमेजुथु
रंगोली और कोलम आदि जैसे नाम हम लोगों के लिए नए नहीं है और न ही घरों और मंदिरों के प्रदेश द्वार पर इनके चित्राकंन की परम्परा ही नई है। वास्तव में यह हिन्दू परिवारों की दिनचर्या का ही एक हिस्सा है, जो घर में देवी-देवताओं के स्वागत के लिए देहली और आंगन में रंगोली के कुछ खास डिजाइनों के चित्रण को शुभ मानते हैं। कला का यह रूप आर्य, द्रविड़ और आदिवासी परम्पराओं का बहुत सुन्दर मिश्रण है।
कालम (कालमेजुथु) इस कला का एक विचित्र रूप है जो केरल में दिखाई देता है। यह अनिवार्य रूप से एक आनुष्ठानिक कला है जिसका प्रचलन केरल के मंदिरों और पावन उपवनों में जहां फर्श पर काली देवी और भगवान अथवा के चित्र बनाए जाते हैं। ‘कालम’ के स्वरूप कारकों को ध्यान में रखने की जरूरत होती है जैसे कि मंदिर अथवा पावन उपवन के मुख्य देवता, कालमेजुथु के अनुष्ठान का धार्मिक प्रयोजन और इसे सम्पन्न करने वाली एक खाख जाति। प्रत्येक मामले में इस कला के नियमों का कठोरता से पालन करते हुए नमूनों, सूक्ष्म ब्यौरों, आयामों और रंग योजना के बारे में निर्णय लिया जाता है। अवसरों के अनुसार इनके नमूने काफी भिन्न-भिन्न होते हैं परन्तु कलाकार द्वारा चुने गए नमूने विरले ही होते हैं।
कालमेजुथु के चित्रण प्राकृतिक रंग द्रव्यों और चूर्णों का प्रयोग किया जाता है और सामान्यत: ये पांच रंगों में होते हैं। चित्र केवल हाथों से बनाए जाते हैं और इनमें किसी अन्य का प्रयोग नहीं होता। तस्वीर बनाने का कार्य मध्य से शुरू किया जाता है और फिर एक-एक खण्ड तैयार करते हुए इसे बाहर की ओर ले जाते हैं। चूर्ण को अंगूठे और तर्ज़नी की मदद से चुटकी में भरकर एक पतली धार बनाकर फर्श पर फैला दिया जाता है। बनाए गए चित्रों में सामान्यत: क्रोध अथवा अन्य मनोवेगों की अभिव्यक्ति की जाती है। सभी चूर्ण और रंग द्रव्य पौधों से तैयार किए जाते हैं जैसे कि सफेद रंग के लिए चावल के चूर्ण, काले रंग के लिए जली हुई भूसी, पीले रंग के लिए हल्दी, लाल रंग के लिए नीबू और हल्दी के मिश्रण और हरे रंग के लिए कुछ पेड़ों की पत्तियों को प्रयोग में लाया जाता है। तेल से प्रदीप्त लैम्पों को कुछ खास-खास स्थानों पर रखा जाता है जिससे रंगों में चमक आ जाती है। कालमेजुथु कलाकार सामान्यतया कुछ समुदायों के सदस्य होते है जैसे कि करूप, थय्यपाड़ी नाम्बियार्स, थियाडी नाम्बियार्स और थियाड़ी यूनिस। इन लोगों द्वारा बनाए गए कालमों की अलग-अलग विशेषता है।
‘कालम’ पूरा होने पर देवता की उपासना की जाती है। उपासना में कई तरह के संगीत वाद्यों (नामत: इलाथलम, वीक्घम चेन्दा, कुझाल, कोम्बु और चेन्दा) को बजाते हुए भक्ति गीत गाए जाते हैं। ये भक्ति गीत मंत्रोच्चारण का ही रूप हैं, ये अनुष्ठान स्वयं कलाकारों द्वारा ही सम्पन्न किए जाते हैं। इन गीतों की शैली बहुत भिन्न-भिन्न होती है जिसमें लोक गीत से लेकर शास्त्रीय संगीत तब शामिल होते हैं। गीत की शैली इस बात पर निर्भर करती है कि किस देवता की पूजा की जा रही है। ‘कालम’ को पूर्व-निर्धारित समय पर बनाना शुरू किया है और अनुष्ठान समाप्त होते ही इसे तत्काल मिटा दिया जाता है।
Kalamezhuthu
Names like Rangoli, Kolam etc are not new to us, and neither is the tradition of drawing them at the entrance of homes and temples. In fact it is part of the domestic routine in Hindu households, who consider it auspicious to draw certain patterns at the doorstep and courtyard to welcome a deity into the house. This art form is a harmonious blend of Aryan, Dravidian and Tribal traditions.
Kalam (Kalamezhuthu) is unique form of this art found in Kerala. It is essentially a ritualistic art practiced in temples and sacred groves of Kerala where the representation of deities like Kali and Lord Ayyappa, are made on the floor. Various factors need to be considered when deciding the nature or figure on the ‘Kalam’, which include the presiding deity of the temple or sacred grove, the religious purpose that calls for the ritual of Kalamezhuthu and the particular caste that does it. In each case the patterns, minute details, dimensions and colour choice are decided in observance with strict rules. The patterns vary considerably depending on the occasion, but rarely by the choice of the artist.
Kalamezhuthu is practiced using natural pigments and powders, usually in five colours. The drawing is done with bare hands without the use of tools. The pictures are developed from the centre, growing outwards, patch by patch. The powder is spread in the floor, letting it in a thin stream between the thumb and the index finger. The figures drawn usually have an expression of anger or other emotions. The powders and pigments are all extracted from plants – rice powder for white, burnt husk for black, turmeric for yellow, a mixture of lime and turmeric for red and the leaves of certain trees for green. Lighted oil lamps placed at strategic positions brighten the colours. Kalamezhuthu artists are generally members of communities like the Kurups, Theyyampadi Nambiars, Theeyadi Nambiars and Theeyadi Unnis. The ‘Kalams’ drawn by these people vary in certain characteristics.
Ritual songs accompanied by a number of instruments (namely ilathalam, veekkan chenda, kuzhal, kombu and chenda) are sung in worship of the deity, on completion of the ‘Kalam’. These songs form part of an oral tradition; the rituals being performed by the artists themselves. The type of song varies considerably, from folk to classical depending on the deity being worshipped. The drawing of a ‘Kalam’ is started at an appointed time and it is erased immediately after the rituals related to it are over.
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